A partir da angústia de não se sentir representado nos espaços que ocupava, Márcio propôs uma reconstrução artística para preencher lacunas existentes na imagem de peões e prendas. O pintor utilizou-se da tela de algodão e da tinta a óleo de linhaça para criar corpos negros gaúchos com expressividade e irreverência.

A intenção de Márcio com seu Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) em Artes Visuais, intitulado Representatividade Pictórica Negra: Ressignificações de Cenas Características da Cultura Gaúcha, foi a de fazer uma provocação e incitar um novo olhar sobre a cultura gaúcha. Para atingir esses objetivos, ele criou uma narrativa repleta de personagens negros intelectuais, famílias pretas bem estruturadas (rompendo com o estereótipo de família preta brasileira sem estruturas) e cenas típicas do pampa sul-riograndense.

Para eliminar a marginalização de pessoas negras e trazer o elemento do intelecto às suas obras, Márcio buscou retratar nas pinturas o jornal O Exemplo, um noticiário pós-abolicionista gaúcho financiado por pessoas negras e antirracistas. “A arte é uma válvula para recontar a história com uma potência transformadora que possibilita uma nova postura e reflexão”, pontua Márcio sobre os elementos que compuseram sua criação artística.

Além disso, ele foi responsável por fabricar grande parte do material de pintura durante a criação das telas. Como vegano, ele não utilizou nenhum utensílio que prejudicasse animais, fez uso de tintas naturais, madeira, algodão cru e pincéis de fibra. Confira algumas das obras resultantes do trabalho de Márcio neste Ensaio.

Reportagem: Isadora Pellegrini
Diagramação: Noam Wurzel

A partir desse histórico, surge o site Girinos do Pampa. Um projeto pessoal criado para diminuir a escassez de informações sobre as diferentes espécies de girinos, além de resumir e organizar o trabalho de inúmeros pesquisadores. Como o nome sugere, o site reúne conhecimento científico sobre dois elementos: os girinos e o pampa. Os primeiros são a fase larval dos anfíbios anuros, organismos presentes em inúmeras investigações científicas, como as taxonômicas, evolutivas, ecológicas, ou toxicológicas. Segundo Tiago, a escolha por destacá-los se dá pela falta de informações que ajudem na correta separação das espécies de uma determinada região. “O Pampa é o espaço geográfico em que vivo e tenho concentrado grande parte da minha pesquisa científica nos últimos anos e que, infelizmente, tem sido negligenciado de diversas maneiras, tanto pela falta de estudos quanto pelo baixo número de Unidades de Conservação ou pela falta de valorização pela população”, completa.

Lançado durante a V Semana Salvem os Sapos, o site Girinos do Pampa tem como objetivo diminuir tal escassez, e traz não apenas informações sobre a identificação e classificação dos girinos, mas também dados sobre o bioma, no que diz respeito à origem, ao clima, à vegetação e às ameaças vigentes, como a agricultura extensiva e espécies exóticas invasoras.

Espaço em que arte e ciência se encontram

A iniciativa reúne a história de vida das espécies, notícias de divulgação científica e arte. A atividade artística acompanha Tiago desde a infância; assim, o site é usado também para compartilhar seus desenhos e pinturas. Na graduação, ele percebeu a conexão entre ilustrações e ciência. Para o professor, caracterizar os girinos por meio do desenho pode mostrar um detalhe que não ganha o destaque adequado em uma fotografia, ou trazer uma informação pouco disponível na literatura, sobre padrões de cores ou manchas observados em girinos vivos. “Fico fascinado com esse mundinho que nos passa despercebido, e encontrei assim uma forma de compartilhar com as pessoas o que vejo na lupa”, revela.

Além disso, o referencial teórico disponível no site é composto por artigos científicos, livros e plataformas digitais, com base em trabalhos anteriores produzidos por diversos pesquisadores. A iniciativa, além de contribuir com a divulgação científica e com o andamento de estudos na graduação e pós-graduação, busca atrair diferentes públicos que tenham curiosidade pela temática. "Entendo que esse é um canal promissor que pode facilitar a compreensão do assunto. Tenho recebido muitos retornos positivos e isso é bastante gratificante”, conta Tiago.

A plataforma está em constante construção e o foco, no momento, é a organização e a inserção de outras famílias de anfíbios, como Bufonidae e Leptodactylidae, ainda não disponíveis no site. A partir da adição de outras espécies, o objetivo é elaborar uma “chave de identificação de espécies”, ferramenta de comparação para auxiliar na correta identificação delas. O site tem apoio da ilustradora digital Bruna Borges, da Arila Studio, e do desenvolvedor web João Victor, da Urso Tech. O resultado dessa parceria e da iniciativa do menino que brincava de ser cientista é a difusão e a organização do conhecimento de forma acessível para diferentes públicos.

Fases de Desenvolvimento dos Anfíbios Anuros

Expediente

Reportagem: Thais Immig, acadêmica de Jornalismo e voluntária;

Design gráfico: Cristielle Luise e Luiz Figueiró, acadêmicos de Desenho Industrial e bolsistas;

Mídia social: Eloíze Moraes, acadêmica de Jornalismo e bolsista; Nathália Brum, acadêmica de Jornalismo e estagiária; e Gabriel Escobar, acadêmico de Jornalismo e bolsista;

Edição de Produção: Samara Wobeto, acadêmica de Jornalismo e bolsista;

Edição geral: Luciane Treulieb e Mariana Henriques, jornalistas.

Em dezembro de 2021, por meio da Pró-Reitoria de Extensão, foram lançados os catálogos de murais e esculturas da UFSM. O Catálogo de Murais é fruto da Exposição de Murais que aconteceu em 2018, sob curadoria da arquivista do Departamento de Arquivo Geral Cristina Strohschoen dos Santos, na qual foram exibidos 21 murais do campus.

Já o Catálogo de Esculturas foi organizado pela arquivista Flávia Jappe e pelo professor José Francisco Goulart, e registra informações sobre cada obra, seus autores, características técnicas e localização. As obras catalogadas estão expostas ao ar livre, no campus sede em Santa Maria. A versão digital dos dois catálogos foi disponibilizada em fevereiro deste ano.

Flávia Jappe é formada em Artes Visuais e Arquivologia pela UFSM e servidora da instituição desde 2014 como técnica em microfilmagem e desde 2019 como arquivista no Departamento de Arquivo Geral (DAG). Ela destaca a importância de realizar a catalogação: “A ideia propulsora foi a preservação das informações pertinentes às obras de esculturas da UFSM, ou seja, o viés documental. Após o trabalho desenvolvido no projeto de pesquisa, foi possível disponibilizar as informações ao público.” Segundo Flávia, as esculturas encontradas no campus de Santa Maria são um convite à comunidade geral para apreciar a arte de maneira gratuita.

O catálogo das esculturas conta com informações sobre as 38 obras que estão espalhadas pelo campus. A Revista Arco separou uma lista de 11 delas que podem ser encontradas no Centro de Educação da UFSM. Confira:

1. Figura

É a obra mais antiga desta lista. Produzida no ano de 2001 e com autoria de Téoura Benetti, essa escultura foi modelada em argila com posterior utilização da técnica de fôrma perdida e finalizada com fibra de vidro, resina e massa plástica.

2. Escultura sem título

3. Escultura sem título

4. Escultura sem título

De autoria de Catiuscia Bordin Dotto, essa escultura  feita em 2006  foi modelada em argila com posterior queima (terracota).

5. Escultura sem título

Escultura modelada em argila com posterior queima (terracota). Produzida por Camila Mesquita Santos em 2009.

6. Observador do Céu

Feita no ano de 2010 por Anderson Mota, essa escultura foi modelada em argila com posterior queima (terracota) em forno cerâmico.

7. Escultura sem título

8. Triangulações N1

9. Psicobélico

Escultura confeccionada com chapas de metal soldadas. Feita por Mateus Bolson em 2015.

10. Cabeça de Cavalo

Construída por Augusto Sachs em chapas de ferro soldado, alojadas sobre pedra de mármore gaúcho. (sem data)

11. Escultura-Banco-Escultura I

Escultura estruturada a partir de sucatas. Modelada, revestida e finalizada diretamente com massa de cimento. De autoria de Carina Plein. (sem data)

Glossário:

Fôrma perdida: É uma técnica de modelagem de escultura. A escultura em argila é revestida em materiais como cera, gesso, cimento ou materiais plásticos. Depois de aquecido, o molde é quebrado e a forma final da obra é revelada.

Queima: Técnica de finalização de uma escultura. Depois de moldada em argila, a escultura é submetida a altas temperaturas, obtendo assim a cerâmica ou a terracota.

Expediente: 

Reportagem: Alice dos Santos, acadêmica de Jornalismo e voluntária;

Mídia social: Eloíze Moraes, acadêmica de Jornalismo e bolsista; Rebeca Kroll, acadêmica de Jornalismo e bolsista; Alice dos Santos, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Gustavo Salin Nuh, acadêmico de Jornalismo e voluntário; e Ana Carolina Cipriani, acadêmica de Produção Editorial e voluntária;

Edição de Produção: Samara Wobeto, acadêmica de Jornalismo e bolsista;

Edição geral: Luciane Treulieb e Maurício Dias, jornalistas.

O espaço dispõe de mais de 250 obras de artistas visuais brasileiros e estrangeiros, que estavam distribuídas em diversas salas da Administração Central. De acordo com a coordenadora de Cultura e Arte da Pró-Reitoria de Extensão e idealizadora do projeto, Vera Vianna, o novo espaço busca ampliar a vivência artística da comunidade, além de promover a recuperação e preservação do patrimônio cultural da Instituição. “Representa um grande passo em busca da valorização da arte, demonstra também a preocupação da UFSM em promover o debate, a reflexão artística e o papel da Universidade no incentivo e fomento à cultura na sociedade contemporânea”, ressalta a professora. 

A exposição de abertura, “Reavivando um Patrimônio”, conta com 36 obras com curadoria das professoras do Departamento de Artes Visuais Helga Corrêa e Talita Esquivel. A mostra busca dar visibilidade à produção de artistas que constituem parte do acervo artístico da Universidade. “O processo de conservação do patrimônio e da memória artística da UFSM é algo que nos impulsiona enquanto professoras e pesquisadoras da área de Artes Visuais”, ressaltam as curadoras. 

A Revista Arco preparou uma lista pra você conhecer 10 obras que estão disponíveis no Acervo Artístico da UFSM:

1- Iberê Camargo - Sem título, 1996. Serigrafia sobre papel

2- Sandra Lopes Knackfuss - Camobi 23, 1981 - Técnica mista sobre papel

3- Carlos Scliar - Tosquia, sem data. Serigrafia sobre papel

4- Luiz Gonzaga Mello Gomes - Sem título, 1977. Tapeçaria

5- Alphonsus Benetti - Sem título, 1984. Pintura sobre eucatex

6- Yeddo Titze - Sem título, 1987. Pintura com caneta hidrográfica sobre papel

7- Juan Torres Amoretti - Sem título, 1980. Óleo sobre tela

8- José Armando de Almeida - Lúcusus é condenado ao nada. Da Série Danação, 1979. Xilogravura sobre papel

9- Silvio Perini Zamboni - Sem título, 1986. Óleo sobre madeira

10- Jack Kovatch - Point Of View, 1984. Gravura em metal sobre papel

Participantes da organização da exposição:

- Curadoria da exposição: professoras Helga Corrêa e Talita Esquivel

- Expografia: Aracy Colvero

- Assistência técnica e montagem da exposição: Rafael Lesses da Silva, Flávia Queiroz Pereira de Jesus, Aline Zanelatto Dal Pont, Gabriela de Oliveira Novaczinski e Antonio Junior

A mostra está aberta à visitação presencial até fevereiro de 2022. É necessário agendamento prévio pelo e-mail: acervoartistico@ufsm.br

Expediente

Reportagem: Caroline de Souza, acadêmica de Jornalismo e voluntária

Créditos das imagens: Rafael Happke

Design Gráfico: Noam Wurzel, acadêmico de Desenho Industrial e bolsista

Mídia Social: Eloíze Moraes, acadêmica de Jornalismo e bolsista; Caroline de Souza, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Alice Santos, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Rebeca Kroll, acadêmica de Jornalismo e voluntária; e Martina Pozzebon, acadêmica de Jornalismo e estagiária

Edição de Produção: Samara Wobeto, acadêmica de Jornalismo e bolsista

Edição Geral: Luciane Treulieb e Maurício Dias, jornalistas

Diante disso, o professor do Departamento de Processamento de Energia Elétrica da UFSM, Rafael Concatto Beltrame, propôs o desenvolvimento de uma ferramenta - plataforma equatorial - de custo acessível para a prática da astrofotografia como tema de Trabalho de Conclusão de Curso (TCC). O discente do curso de Engenharia da Computação, Eugênio Piveta Pozzobon, na época graduando de Engenharia Elétrica, aceitou o desafio.

Equipamentos convencionais para astrofotografia

Outro objetivo do desenvolvimento da plataforma é ser de fácil utilização. Rafael explica que os equipamentos disponíveis no mercado são de difícil configuração, já que o posicionamento da plataforma precisa ser feito com o eixo de rotação da Terra. Além disso, as configurações para o alinhamento dependem da localização geográfica do fotógrafo. Os métodos mais comuns, por exemplo, são realizados por laser ou por luneta. A plataforma que sustenta a câmera precisa ser deslocada para acompanhar o movimento aparente do céu e tirar fotografias com qualidade.

Desenvolvimento da plataforma equatorial

Tais métodos exigem conhecimento prévio sobre astronomia, o que dificulta a adesão à astrofotografia de quem não é da área. Neste sentido, a plataforma equatorial desenvolvida por Rafael e Eugênio, chamada de EasyTracker, apresenta inovações em relação aos equipamentos convencionais: “Quando propus a ideia para o Eugênio, pretendia desenvolver também um aplicativo para celular que guiasse o usuário na configuração da plataforma, sem que o fotógrafo precisasse possuir conhecimentos em astronomia”, comenta Rafael.

O modelo de rastreamento utilizado na plataforma é o equatorial, pois permite o movimento circular automático da câmera fotográfica – por meio de um motor -, na mesma velocidade da rotação aparente do céu. Apesar dessa facilidade, ainda é necessário que seja feito o correto alinhamento com o polo celeste. Assim, a inovação do EasyTracker é o sistema eletrônico que consegue comunicar-se com o celular por meio de um aplicativo para Android.

Além disso, em comparação com equipamentos disponíveis no mercado – que custam de 650 a 2 mil reais –, o EasyTracker vai ser mais acessível: em torno de 400 reais. Eugênio destaca outro ponto importante sobre a plataforma: “o motor possui um erro periódico natural, ou seja, pode acontecer algumas vezes de girar mais rápido ou devagar, mas todos os equipamentos comerciais analisados também possuem esse problema. Nos testes, chegamos a resultados interessantes. Alguns dos produtos profissionais com custo mais elevado que o nosso apresentaram um erro médio maior em relação ao EasyTracker”.

Durante o desenvolvimento, Eugênio disponibilizou um formulário para analisar se a proposta da plataforma estava de acordo com as exigências de quem pratica ou se interessa por astrofotografia e também surgiu a ideia de convidar profissionais para testarem o equipamento. Neste contexto, Rafael e Eugênio comentaram que a intenção é disponibilizar o projeto do aplicativo gratuitamente após a defesa do TCC, que deve ocorrer em 2022.

Dicas para praticar a astrofotografia

Rafael e Eugênio deram algumas sugestões aos interessados em começar a praticar astrofotografia, confira:

Rafael explica com um exemplo, “Quando se fotografa esportes com a pessoa em movimento, o tempo de exposição para fazer a foto precisa ser curto, senão os braços e as pernas vão aparecer borrados. Mas essa imagem vai ser feita em um dia de sol, com bastante luz. No caso de fotografias à noite [astrofotografia], não se pode ter um período de exposição muito pequeno, porque a foto vai ficar escura”. Neste viés, precisa-se adaptar as configurações para o propósito da foto.

2) O céu precisa estar limpo durante a noite, não pode estar nublado. Ademais, para realizar as fotos com qualidade, é necessário se afastar dos centros urbanos, devido à ‘poluição luminosa’, como luzes de edifícios e das ruas. Quanto mais afastado desses locais, melhor para a atividade.

3) Cuidado no inverno!. Alguns problemas podem acontecer durante noites frias, como  o sereno cair na lente do dispositivo fotográfico. Isso vai deixá-la úmida e, assim, a imagem capturada pode ficar embaçada.

4) A astrofotografia pode ser realizada sem equipamentos, como a plataforma equatorial, mas o tempo de exposição deverá ser menor, devido ao movimento aparente do céu. 

Dessa maneira, algumas informações não serão capturadas na imagem. Nesse caso, pode-se utilizar técnicas avançadas de processamento, como o empilhamento de imagens: são capturadas várias fotografias e depois é realizada a edição delas, em softwares, combinando as suas melhores partes para gerar uma imagem final. Assim, esse resultado poderia ser obtido diretamente com o uso da plataforma.

Expediente

Reportagem: Eduarda Paz, acadêmica de Jornalismo e voluntária

Créditos das imagens: Rafael Beltrame e Eugênio Pozzobon

Tratamento de imagem: Yasmin Faccin, acadêmica de Desenho Industrial e voluntário

Mídia Social: Eloíze Moraes, acadêmica de Jornalismo e bolsista; Caroline de Souza, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Alice Santos, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Rebeca Kroll, acadêmica de Jornalismo e voluntária; e Martina Pozzebon, acadêmica de Jornalismo e estagiária

Edição de Produção: Samara Wobeto, acadêmica de Jornalismo e bolsista

Edição Geral: Luciane Treulieb e Maurício Dias, jornalistas

Só no ano passado, quase 200 vídeos foram produzidos. Dois deles tiveram alcance de mais de 400 mil internautas. Neste ano, por meio do canal do YouTube, a Orquestra realiza estreias todos os domingos, às 11h, de vídeos com concertos inéditos, pré-gravados diretamente no Centro de Convenções da UFSM. Tal ação constitui a Temporada Oficial e Especial 2021, que conta com mais de 90 vídeos.  Os audiovisuais são, em sua maioria, inéditos, e estão inseridos em uma programação eclética que conta com repertório do século 18 ao 21, músicas erudita brasileira, latino-americana, popular e regional, além de destacar músicos, artistas e entidades culturais da região.

A pedido da Revista Arco, a Orquestra Sinfônica de Santa Maria listou dez produções artísticas realizadas durante o ano de 2021. Confira:

1 - “Concerto para uma só voz”

O 1º Concerto da Temporada Oficial 2021 apresentou, na voz da soprano Ediana Larruscain (UFSM), um repertório voltado para a introspecção, emoção e superação de tempos difíceis. Mais conhecida como Dida, a soprano da Orquestra Sinfônica de Santa Maria teve reconhecimento nacional a partir do The Voice Brasil.  Com a música de concerto a partir do século 17, a produção teve  obras de Giovanni Gabrieli, J. S. Bach, G. F. Handel,  W. A. Mozart, José Maurício Nunes Garcia, Charles Gounod, Edvard Grieg,  Gustav Mahler, e as obras para grupos de percussão dos contemporâneos R. J. Washburn e Douglas Gutjahr. Para manter as medidas de controle sanitário, a Orquestra foi dividida em pequenas formações de cordas, madeiras, metais e percussão. 

2 - “Concerto Brasil Sinfônico"

A segunda apresentação da Temporada Oficial 2021 foi integrada por obras brasileiras. Exibiu um repertório que abrange cem anos de criação musical de Alberto Nepomuceno, Heitor Villa-Lobos, Murillo Santos, Osvaldo Lacerda,  Cesar Traldi e a estreia mundial do “Concertino para Flugelhorn” do gaúcho Edgar Sleifer. A regência ficou por conta do convidado especial, o maestro Cláudio Ribeiro,  ex-integrante da Orquestra Sinfônica de Porto Alegre (OSPA).

3- “ABBA Sinfônico”

A apresentação Especial da Temporada 2021 realizou um tributo à banda sueca ABBA, e trouxe a participação das vencedoras do festival “Vem cantar com a Orquestra Sinfônica de Santa Maria”, realizado com grande alcance de público em 2020. As cantoras santa-marienses Tiane Tambara e Daiane Diniz, juntamente à banda Tributo ao ABBA, interpretaram hits da banda com arranjos de Dilber Alonso.

4- “Concerto Farroupilha”

Como forma de homenagear a cultura gaúcha, o “Concerto Farroupilha” trouxe a participação de músicos locais, como Beto Pires, Juliana Pires, Matheus Lopes, Fernando Ávila e Tuny Brum. O repertório foi composto por obras autorais desses artistas e arranjos de Dilber Alonso. Além disso, houve a apresentação da obra “Danças Gaúchas'', de Alfred Hulsberg, para cordas e percussão e compilação de arranjos de músicas folclóricas gaúchas.

5- “Série Solistas da UFSM”

Com o objetivo de  valorizar os músicos da UFSM, o terceiro concerto da Temporada Oficial 2021 contou com a participação de quatro solistas de concertos tradicionais do repertório, todos vencedores do “Concurso Músicos da UFSM”, realizado em 2019.  Marina Montero (flauta), apresentou o “Concertino, Op. 107”, de Cécile Chaminade; Hélio Valentim (clarineta), o “Concerto nº 1, em Fá Menor, Op. 73”, de K. M. von Weber; Miguel  Ângelo Zanotelli (piano), “Concerto nº 8, em Dó Maior, K 246”, de W. A. Mozart; e Wueliton Dal Pont (contrabaixo), “Concerto nº 2, em Si Menor”, de  G. Bottesini.

6- “Festival Sopros e Percussão"

Em outubro, iniciou o quarto “Festival Sopros e Percussão” da temporada. Teve repertório variado.  “Divertimento 77, Op. 39A” (1992), para sopros, de Mário Tavares, obra com balanço bem brasileiro em três movimentos: Allegro moderato, Velho Canto - Praieira e Toccata. Com o grupo de metais “A Western Fanfare” (2002), do compositor e trombonista  americano Eric Ewazen; “A Song for Japan” (2011), de Steven Verhelst, em homenagem às vítimas do tsunami; e a “Sinfonia para Metais” (1979) de Jan Koetsier, esses dois últimos, compositores holandeses. Para o naipe de percussão, duas peças contemporâneas e inovadoras dos anos 1970: “Scherzo sem Instrumentos'' (1978), com percussão corporal, de William J. Schinstine, e “Quarteto para Sacos de Papel'' (1975), de Larry Spivack.

7- “Piazzolla - 100 anos”

Para homenagear o centenário de nascimento de Astor Piazzolla, no mês de novembro a Orquestra lançou o terceiro Concerto Especial. O “Piazzolla- 100 anos” foi feito em parceria com o 6º Encontro Internacional sobre Pedagogia do Piano, no dia 14 de novembro. O repertório foi composto pelas obras “Las Cuatro Estaciones Porteñas”, acompanhada pelos pianistas Bernardete Póvoas, da Universidade do Estado de Santa Catarina (Udesc), Carina Joly, da Universidade Federal de São João del-Rei (UFSJ), Claudia Deltregia, da UFSM, e Luis Claudio Barros, da Udesc. Para finalizar a homenagem, a Orquestra interpretou “Libertango”, com o e arranjos de Dilber Alonso, com o acordeon solista de Fernando Ávila.  Ainda em parceria com o 6º Encontro Internacional sobre Pedagogia do Piano,  a Orquestra apresentou o “Concerto para Quatro Pianos'', em Lá Menor, BWV 1065 (c. 1730), de J. S. Bach, no dia 21 de novembro, gravado em forma de mosaico, com a participação de pianistas de diferentes lugares no Brasil e EUA.

8 - Abertura Brasil 2014

O quinto concerto da Temporada Oficial foi lançado nos dias 28 de novembro e 5 de dezembro pelo YouTube da Orquestra Sinfônica Santa Maria. Uma das obras apresentadas foi do compositor brasileiro Dimitri Cervo. A Abertura Brasil 2014 (antiga Abertura Rio 2014) foi uma obra encomendada e estreada pela Orquestra Petrobras Sinfônica no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Após as apresentações, o compositor realizou revisões na obra e tocou essa nova versão neste evento.

9 - As Quatro Estações Brasileiras

A segunda obra do quinto concerto foi a estreia mundial de “As Quatro Estações Brasileiras'', com a regência do próprio compositor Dimitri Cervo, e solo de Francisco Coser, mestre em violino pela Royal School of Music de Londres. Nessa peça para violino e orquestra, o compositor realiza um passeio sonoro pelas quatro estações brasileiras, associando-as a quatro regiões geográficas do Brasil. Nos movimentos Primavera Amazônica (Alvorecer), Inverno Pampeano (Pôr do Sol), Outono Pantaneiro (Águas) e Verão Nordestino (Danças), são retratadas musicalmente as estações e fenômenos naturais e humanos associados a elas. Por meio da obra, o compositor realiza um contraponto à “As Quatro Estações” de Vivaldi (1723) e a “Las Cuatro Estaciones Portenhas” de Piazzola (1969-1972), de forma a enriquecer a poética da literatura musical brasileira para violino solo. 

10- “O Lago dos Cisnes”

O sexto concerto da temporada finaliza o ano de 2021 na Orquestra Sinfônica de Santa Maria. Em parceria com o Ballet Ivone Freire, de Santa Maria, será apresentado “O Lago dos Cisnes'', de Tchaikovsky, no dia 19 de dezembro, em uma versão abreviada e encantadora.

Expediente

Texto: Roberta Hoffmann e Fernanda Halberstadt, Assessoria de Imprensa da Orquestra Sinfônica de Santa Maria

Créditos das imagens: Rafael Happke, Marcos Klein, Arieli Ziegler e Rafael Beltrame

Tratamento de imagem: Luiz Figueiró, acadêmico de Desenho Industrial e voluntário

Mídia Social: Eloíze Moraes, acadêmica de Jornalismo e bolsista; Caroline de Souza, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Alice Santos, acadêmica de Jornalismo e voluntária; Rebeca Kroll, acadêmica de Jornalismo e voluntária; e Martina Pozzebon, acadêmica de Jornalismo e estagiária

Edição de Produção: Samara Wobeto, acadêmica de Jornalismo e bolsista

Edição Geral: Luciane Treulieb e Maurício Dias, jornalistas

A figura mais importante que passou pelo Centro de Artes e Letras. É assim que o professor Alphonsus Benetti define o artista plástico Silvestre Peciar Basiaco, colega de departamento. Nascido em Montevidéu, Uruguai, em 1935, Peciar estudou Desenho e Pintura na Escola Nacional de Belas Artes. Local esse em que posteriormente lecionou Desenho do Secundário até 1973, momento em que a ditadura militar o tirou de sua função como professor e, depois, fechou a instituição. 

Nem mesmo a ditadura foi capaz de afastá-lo de sua grande paixão. No ano de 1975, o artista buscou exílio no Brasil e escolheu Santa Maria como destino. Ao atuar como professor na UFSM, pôde dar continuidade ao seu trabalho, que sempre teve como tripé a pedagogia, a obra plástica e o pensamento político. 

Com formação modernista e vertente expressionista, Peciar experimentou diferentes tipos de procedimentos artísticos durante sua carreira. Para evitar o perfeccionismo, recomeçava sempre. Com novas técnicas e materiais, buscava manter a mente de principiante, sempre aberta a novos aprendizados. Assim, trabalhou do cartaz ao monumento. Fez gravuras, pinturas, mosaicos e murais. Mas  foi na construção de esculturas que seu talento lhe rendeu maior destaque. 

O artista, que adotou Santa Maria como lar, lecionou na UFSM durante 23 anos. Em 2001, retornou a Montevidéu, onde permaneceu até sua morte, em 5 de março de 2017. No período em que trabalhou no CAL fez grandes contribuições, tanto para o cenário artístico e cultural, quanto para a vida dos alunos que passaram por seu ateliê. É o caso do artista plástico Juliano Reis Siqueira que foi aluno em 2001, na graduação na UFSM, e em 2003, no Instituto Escola Nacional de Bellas Artes, quando Peciar voltou a lecionar em Montevidéu. Posteriormente, Juliano defendeu sua tese de doutorado no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina, na qual pesquisou “Peciar e a formação do artista”.

Para Juliano, o trabalho educativo do professor foi determinado pela generosidade que ele possuía. Esse foi um dos motivos que o fez estudar a fundo as contribuições de Peciar para a formação artística dos estudantes. O pesquisador também destaca o comprometimento do educador com a liberdade e com a integração da arte à vida diária, além da maneira única com que potencializava o crescimento dos alunos por meio da autonomia e da criação em liberdade. 

Diferentes obras e técnicas

Ao longo dos anos em que Silvestre Peciar integrou o corpo docente do curso de Desenho e Plástica  - que mais tarde veio a se chamar Artes Visuais - criou inúmeras obras, sozinho e também com estudantes. “A ideia dele era sempre ensinar e passar conhecimento. Isso foi importante para o crescimento de muitos alunos que, depois, se dedicaram à escultura”, afirma o artista plástico e antigo colega de departamento, professor Juan Amoretti. 

Existem 89 obras de autoria de Peciar no Centro de Artes e Letras. O maior número entre os artistas que por ali passaram. Além disso, muitas outras estão espalhadas pela Universidade, em locais públicos da cidade e também no Museu de Arte de Santa Maria (MASM). Em 2001, o artista doou 82 obras de seu acervo pessoal para o Museu, o que, segundo o amigo Amoretti, foi um gesto de retribuição à cidade, que o recebeu, acolheu e confiou no seu trabalho. O número total de peças produzidas durante sua carreira atinge a marca de 4 mil. 

As peças produzidas pelo artista eram figurativas ou abstratas. Em sua maioria, prevalecia a figura feminina. O professor também trazia temas de seu cotidiano e suas vivências, como a ditadura militar, que foi frequentemente abordada. Paisagens de Camobi e de Vale Vêneto também eram registradas. 

O pesquisador Juliano, em sua tese, dividiu o trabalho de Peciar em três fases: o período de formação no Uruguai (1949-1975); o exílio no Brasil (1975- 2001); e o retorno a Montevidéu (2001-2017). Cada fase possuiu diferentes linhas. Nos anos 1960, era abstrata e funcional. Nos anos 1970, imaginativa. Em 1980, expressionista e política. Depois, na década de 1990 foi arte pública. Ao voltar para o Uruguai, houve uma imersão na cor, por meio de mosaicos figurativos e lembranças dos morros de Santa Maria. 

“A ética de Peciar foi o compromisso com a comunidade, por isso fez muitas obras públicas”, ressalta Juliano. Ele considera imenso o legado deixado pelo educador-artista, tanto nas artes plásticas, quanto no campo educacional. O pesquisador destaca que o ideal de Peciar era se aproximar de gente comum, fora das galerias e dos museus. “Seu legado é nossa missão em tempos tão autoritários”, complementa. 

A arte de educar

“Da prática apaixonada da arte e da docência, Peciar constituiu seu estilo de vida”, redige Juliano Siqueira em sua tese. Segundo o pesquisador, a satisfação com os bons resultados de seus alunos era semelhante à que sentia com seus próprios feitos. 

O professor Peciar também questionava o sistema de educação tradicional, como, por exemplo, a atribuição de notas, que presenteava ou castigava o aluno de acordo com o relacionamento existente com o professor, além de fomentar a competição. Assim, no período em que lecionou, Peciar idealizou, junto com alunos, o novo currículo do curso de Desenho e Plástica. 

Segundo o amigo e professor Alphonsus Benetti, naquele currículo os trabalhos das disciplinas passaram a ser avaliados por bancas de professores, que atribuíam conceitos em vez de notas – sistema semelhante ao da atual pós-graduação. A proposta que inspirou outras universidades é classificada por Benetti como o melhor projeto curricular para a área já criado em instituições federais brasileiras. 

“Peciar rompeu com os modos autoritários e centralizados de se construir o currículo”, explica Juliano. Para ele, a ideia era a livre escolha. Cada estudante podia fazer a autogestão de seu próprio currículo e, assim, ele tornava-se único. O novo currículo era vegetal, orgânico e aumentava a autonomia do educando. 

Sobre as aulas com o artista, Juliano classifica-o como intuitivo e sensível. E afirma: “Peciar era mais que professor, ‘não ensinava’, deixava que os estudantes aprendessem e ajudava sem interferir no processo singular de cada um. Atuava mais por contágio do que por palavras. Vivia intensamente a arte e a docência, por isso consideramos ele um mestre”.

Mais do que fazer arte, é preciso mantê-la

Peciar trabalhava em diferentes projetos ao mesmo tempo. Desenvolvia obras no ateliê da UFSM e também na própria casa, onde geralmente eram feitos os trabalhos maiores. Alphonsus Benetti conta que mesmo quando lecionava/orientava, o amigo criava. “Ele não conseguia ficar parado. Estava sempre produzindo”, recorda. 

Em 1983, Peciar finalizou, na entrada da Antiga Reitoria, o mural “Auwe”, que significa amizade em xingú. Com o passar dos anos, as pinceladas se deterioraram devido a um vazamento de água e vandalismos. O artista plástico Juan Amoretti conta que há 15 anos já havia a intenção de restaurar o mural. Na época, entrou em contato com o próprio Peciar, que havia voltado a residir em Montevidéu. Os dois se correspondiam através de cartas, nas quais o uruguaio enviava fotos do mural original e ricos detalhes sobre cada parte da pintura. 

“Isso é algo muito valioso, pois ele conseguiu me enviar as fotos. Logicamente que são em preto e branco, mas, como há vestígios da pintura na parede, eu posso completar as partes que foram danificadas”, descreve Amoretti. O professor estudou na Escola de Belas Artes do Peru e trabalhou com restauração durante sua formação, além de ter sido auxiliar de restauração no Museu de Arte de Lima. 

Nas cartas, Peciar ressalta “pintado com vinílico e acrílico, nada de luzes e sombras, só linhas e planos de cor. Confio em tua habilidade! Espero imagens coloridas depois da restauração!” O processo de restauro foi iniciado em janeiro deste ano. Amoretti trabalha com cautela para preservar ao máximo a pintura original. As imagens coloridas da obra restaurada, infelizmente, ele ficou devendo. 

Repórter e Mídia Social: Melissa Konzen, acadêmica de Jornalismo

Editor Chefe: Maurício Dias, jornalista

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Pichações e graffitis chamam atenção para as paredes e muros da cidade; por detrás de cada rabisco, há uma história a ser contada. Para o Estado, as pichações são pinturas sem concessão – diferentemente dos graffitis, que têm respaldo da lei e da sociedade. Já na perspectiva dos pichadores/grafiteiros, questões estéticas e de reconhecimento norteiam suas práticas, que permeiam também o campo da arte, expressão, vandalismo e bem privado. Nesse sentido, a dissertação Etnografia de uma cidade redesenhada pela pichação/graffiti se propôs a entender como são vistas as práticas de pichação/graffiti no debate público e, principalmente, sob o olhar de quem as faz.

De 2014 a 2017, o então mestrando em Ciências Sociais Rodrigo Nathan Dantas desenvolveu um trabalho etnográfico com 24 pichadores/grafiteiros em Santa Maria. A pichação esteve na vida do pesquisador desde a adolescência – nos primeiros contatos com a música, principalmente o rock, nos desejos e anseios da juventude e na forma como é percebida a cidade. Já no papel de pesquisador, Rodrigo conta que buscou construir um trabalho polifônico, que foge das interpretações romantizadas, e procura apresentar uma perspectiva “mais barulhenta”, na qual “a pichação/graffiti aparece como ponto de encontros discordantes, onde as identidades e as posições são flexíveis e transitórias”.

Partindo do questionamento da diferença entre pichação e graffiti, o pesquisador levou em conta a própria forma como os entrevistados se identificam – em geral, os grafiteiros são ou já foram pichadores em algum momento, portanto os termos escolhido para referi-los na pesquisa foram “pichação/graffiti” e “pichadores/grafiteiros”. Nas palavras do pesquisador, não se trata simplesmente de pichação – aquilo que é visto como ilegal, sujo, feio ou crime - versus graffiti – aquilo que é visto como legal, limpo, bonito ou arte.

Para traçar aquilo que é comum ao grupo, o pesquisador acompanhou os pichadores/grafiteiros em encontros pela cidade, fez parte do Intelectuais do pixo, interagiu em grupos e páginas do Facebook e dividiu apartamento com um dos pichadores/grafiteiros durante seis meses. As histórias narradas por eles, as observações do pesquisador nos encontros e eventos na cidade e as fotografias de pichações/graffitis construíram o diário de campo da pesquisa. Alguns trechos desse diário que compõem a pesquisa foram selecionados e podem ser conferidos a seguir.

O dono de uma loja de street art

Em oficinas ministradas na sua loja, o dono chama atenção para a inquietude que é a pichação. Nas oficinas, ele sempre procurou frisar que ele vem do “movimento da pichação” e reconhecer que ela está na “origem do graffiti”, afirmando, no entanto, que hoje se identifica mais com este do que com aquela. Percebi que suas falas são de alertas do legal/ilegal: “A pichação dá muita adrenalina. Quando a pessoa tem entre 14 e 18 anos, ela quer e precisa fazer parte de um grupo. Ver a assinatura espalhada pela cidade dá uma sensação muito boa, tem muitos riscos, no início isso é bom, mas depois isso vai passando e o cara vai
entrando em outras”.

Nos trilhos

Na volta de um mutirão de graffiti, um dos pichadores/grafiteiros me convidou para ir embora pelos trilhos em direção à Vila Leste. O pichador que fez o convite narrou sua história: “Bah, sou fissurado por trens e trilhos, não apenas para pintar, mas porque acho que eles têm tudo a ver com a cidade. Esses trilhos são as veias de Santa Maria, foi a partir deles que a coisa começou. Quero ver se volto a fazer uns trampos em trens. Quando você pinta
no trem, quem vai curtir o trem vai ser a galera que tá ligada nessas questões da linha, a grafitagem de trens e seus riscos. E aí, o trem vai daqui até o Paraná, por exemplo, e o pessoal que pinta no Paraná vai ver. E daí entra em contato. Perguntei se todo pichador/grafiteiro da cidade gosta de pintar trens. Respondeu: “Acho que não, isso é mais para quem é ‘das antigas’, as novas gerações preferem muros e subir em prédios”.

Tretas feministas

Como estratégia de introduzir momentos de dissenso nas reuniões e nas aparições públicas do grupo Intelectuais do pixo, o qual participei como forma de discutir sobre pichações/graffitis na cidade, questionei suas próprias pré-noções argumentativas. Com isso, permitiu que viessem à tona informações e questões do campo da pichação/graffiti que talvez não viessem se eu me restringisse a observar ou a ser plenamente conivente com tudo o que o grupo diz e pensa. Relato de uma das pichadoras/grafiteiras, após introduzir questões provocadoras no grupo: “Tem pichador que não suporta a ideia de ter mina pichando no rolê, ainda mais se as mina forem feministas. Tem uma crew de uns guri de bosta que só saem pra atropelar o trampo das minas. Tem muito machismo no meio da pichação. Tem mano que bate na mina. O feminismo é necessário”. “O pior é que tem mina machista também”, disse outra.

Saúde mental e a pichação/graffiti

Em uma roda de conversa sobre pichação e saúde mental, realizada na loja de street art:
Um rapaz perguntou: “pichação não é uma doença? Esse lance de subir em prédio para fazer uns riscos e estragar a parede de alguém não é coisa de gente que precisa se tratar?”. “Pichar pode ser uma maneira de desopilar. A sociedade é que está doente”, respondeu um estudante de psicologia e, em seguida, sua colega: “eu tento entender a pichação enquanto manifestação, uma forma de expressão, mas se for no muro da minha casa eu não gosto (risos)”.

A campanha Santa Maria do Bem

Em 2015, houve dois empreendimentos envolvendo governo, mídia e empresas: a campanha Santa Maria do Bem e a Operação Solvente, para coibir e penalizar os pichadores. A internet virou um campo do conflito de moradores, proprietários e pichadores/grafiteiros. Concomitantemente, a campanha propôs o uso do graffiti para combater a pichação, incentivando os moradores a cederem o muro de suas casas para a produção de graffiti. Um pichador/grafiteiro e uma pichadora/grafiteira, ambos precursores da pichação/graffiti na cidade, participaram da campanha. Na fala da pichadora/grafiteira para jornais, ela se apresentou como ex-pichadora e argumentou que os empreendedores e moradores da cidade não querem suas casas rabiscadas com ofensas. Sua participação e depoimento suscitou críticas: “Às vezes tento entender, sei que ela tem filho e tudo mais, daí não é muito difícil aceitar se juntar ($) à prefeitura, mas usar esse discurso [...] fico triste com essa fala dela.” Em resposta, a pichadora/grafiteira disse: “A galera do graffiti não gosta porque é do Poder Público. Eu já sabia de tudo isso. Mas quando é que eu iria ter a oportunidade de pintar e ganhar material bom? Spray é caro. É uma arte cara”.

Estabelecimentos comerciais

Estabelecimento com a seguinte frase: “Pedimos desculpas à cidade de Santa Maria, não pintaremos mais a parede”. As falas de moradores e proprietários de casas ou lojas pichadas também vão majoritariamente nesse sentido: “a gente pinta, e no outro dia eles vão lá e picham tudo de novo”; “a gente trabalha duro, ganha pouco, daí resolvemos pintar a casa, a gente só quer ter uma casinha ajeitada, já que o bairro é humilde, daí os caras vêm e riscam tudo, isso é ruim pra nossa autoestima”. Uns compram a briga, outros jogam a toalha.

Arma na cara

Conversando na volta para casa com um dos pichadores/grafiteiros consagrados na cena local por escalar prédios para pichar/grafitar, ele narrava algumas de suas missões mais arriscadas. “Quando eu estava riscando, o morador acordou e saiu na sacada, me viu lá em cima e mandou eu descer, disse que ia chamar a polícia. Eu disse para ele ficar frio, que eu não era ladrão, que só ia descer depois de terminar meu trampo. Daí ele entrou.Terminei o trampo e desci. Mas o mais doido foi quando cheguei em casa, já de manhã. Deitei a cabeça no travesseiro, não deu uma hora, e acordei com a polícia dentro do meu quarto, com uma arma apontada na minha cara. Era o dia da Operação Rabisco, mandado de busca e apreensão. Levaram sprays, pincéis, tintas e cadernos meus. Já tenho uns vinte BO (boletim de ocorrência) nas costas por causa de pichação. E não pretendo parar tão cedo”.

Reportagem: Bibiana Pinheiro
Ilustração, Lettering e Diagramação: Deirdre Holanda
Locução: Marcelo De Franceschi

A Arte,

provocativa e volúvel,

pediu às Sociedades diversas – em tempos e lugares distintos –

que a conceituassem;

as Sociedades, presunçosas,

baseadas em seus conhecimentos,

aceitaram o desafio.

Uma a uma as ideias eram quebradas,

um a um os argumentos eram invalidados pela Arte.

A Arte,

incomodativa e desafiadora,

ria das empreitadas das Sociedades,

e, estas, em um ato desesperado,

comum aos que desconhecem,

por medo e ignorância, começaram a atacar a Arte.

Insultos.

Calúnias.

Desrespeito.

E, por fim, a censura.

Contudo,

A Arte,

sagaz e maleável,

sempre contornava a situação.

Como a fênix, das cinzas, renascia.

Diferente.

Estranha.

Incisiva.

A Arte, hoje,

resistência e plural,

segue aguardando um conceito,

segue questionando,

segue propondo,

e, sobretudo, aterrorizando àqueles que decidiram conservar dogmas.

Esta Sociedade falhou – e, assim como as outras, atacou.

Talvez o foco da Arte nunca tenha sido a resposta,

E sim a inquietude do processo.

Enfim...

À Arte:

Moça, você é afrontosa!

Diagramação e Ilustração: Giana Tondolo Bonilla

*Henrique Walter Ribeiro é acadêmico do curso de graduação em Artes Visuais da UFSM. Busca utilizar a Arte – em todas as suas formas – como ferramenta para extravasar pensamentos.

Os desenhos mais rápidos que costumavam retratar pessoas em situações corriqueiras foram complementados por uma preocupação com ilustrações que demoram mais tempo, de horas a meses, conforme o material recebido pelo artista. Segundo Jorge, no entanto, não são só desenhos de dinossauros. “Eu trabalho a partir de fósseis, não só dinossauros. Aqui na região, inclusive, não se tem tantos dinossauros, mas répteis primitivos e animais do período triássico, anterior ao período dos dinossauros”, explica.

O processo de construção dos desenhos dá-se, de início, pelo recebimento do artigo publicado com novas descobertas, com fotos dos fósseis (que podem vir inteiros ou somente em partes) e referências. “A análise que os paleontólogos fizeram de um fóssil leva eles a considerar que aquela descoberta se refere a determinada família ou espécie”, conta.

Comer uma maçã, tomar um café, passar batom ou falar ao telefone são ações tão comuns no nosso cotidiano que passam despercebidas. Mas tente imaginar-se fazendo isso embaixo d’água. Não consegue? Carlos Donaduzzi, aluno do Mestrado em Artes Visuais da UFSM, pode dar uma ajuda a sua imaginação. O estudante está desenvolvendo um projeto de pesquisa cuja ideia básica é exatamente esta: trabalhar com cenas cotidianas deslocadas para um ambiente aquático.

A ideia da dissertação de mestrado partiu de uma primeira série de fotografias tiradas pelo estudante em 2011. Carlos havia acabado de comprar uma câmera que fotografava embaixo d’água e estava ansioso por testá-la. “Não tinha as cenas em mente, foi algo de momento, de brincar e ver o que sairia”, conta. Nessa primeira leva de fotos, Carlos buscou observar o comportamento do corpo humano na água e a relação entre eles.

Para isso, utilizou uma Aquapix, câmera analógica muito simples, que possui somente o disparador, não possibilitando nenhum ajuste manual na hora de realizar a foto.

Os resultados da primeira série agradaram e inspiraram Carlos a desenvolver um projeto para trabalhar com uma segunda série de fotografias. Fotografia Submersa: Cenas Cotidianas é o título de seu projeto de mestrado, orientado pela professora Nara Cristina Santos, cujo objetivo é retratar cenas habituais em fotografias produzidas embaixo d’água. A banalidade é um dos pontos que Carlos procura destacar em suas fotografias, explorando situações que passam despercebidas diariamente e que, fora de contexto, ganham importância. “Queria passar a ideia da simplicidade do cotidiano e levar para a água foi um jeito que achei de destacar o que é banal”, explica Carlos.

A adaptação à água, assim como utilizar o equipamento nela – principalmente por ser mais difícil de observar o que está sendo fotografado – foram dificuldades que apareceram logo no início. Outros problemas surgiram e foram sendo contornados. “Como gosto de trabalhar com luz natural, demorei certo tempo para encontrar o horário ideal do dia para fotografar, além do fato de precisar de uma condição climática que ajude. O frio e o tempo nublado são os maiores inimigos”, afirma Carlos. A câmera digital também teve que passar por uma adaptação. Para fotografar embaixo d’água, ele a coloca dentro de uma caixa estanque elaborada para fotografia subaquática, não permitindo a entrada de água no equipamento.

Nessa segunda série de fotografias, ainda em andamento, Carlos trocou a câmera analógica por uma digital e pela edição posterior das imagens. O motivo principal da mudança foi a necessidade de testar as cenas fotografadas, os movimentos das modelos e dos objetos utilizados na composição da imagem. A câmera digital oferece maior praticidade e respostas imediatas ao fotógrafo. “Como a câmera analógica que uso é bastante limitada, a digital neste caso me dá todas as possibilidades de ajustes para ter uma foto bem realizada, já que são elaboradas inúmeras de cada cena”, complementa.

A defesa da dissertação de mestrado de Carlos será em abril de 2014. Alguns dos resultados alcançados até o momento são as fotografias que compõem este ensaio e, como se trata de um projeto em andamento, para Carlos cada final de sessão é um aprendizado: “Vejo aspectos que posso mudar ou manter nas fotografias. Até finalizar o mestrado ainda há muito trabalho pela frente”.

Repórter: Camila Marchesan Cargnelutti

Fotografia: Carlos Donaduzzi

Confira o ensaio completo na versão flip.